Todo comenzó un día en el que yo estaba en la casa de un familiar, y me puso la canción de Yesterday, interpretada por este genial coro de ángeles.

Haz click aqui para ver el video.

Está muy bonito!!! dije yo, y mi familiar me dijo: así es, es música del cielo, música de ángeles.

Cada canción que traía el disco me hacía volar cada vez más y más alto, por ejemplo, la canción de Ei jude.

http://www.youtube.com/watch?v=0zIUOUi8p0U&feature=fvwrel

La verdad al escucharla me sentía yo en el mismísimo paraíso, como si los ángeles me estuvieran cantando nada más a mí.

Y bueno, pasaron los años, me enpesaba a olvidar de cosas de mi niñés, pero cosa rara, esa música siempre se me quedó pegada en la caveza. Es que era una música tan celestial, tan increhible, me transportaba (y lo sigue haciendo y lo seguirá haciendo mientras la siga escuchando) a otra dimención, a otro mundo donde solamente estábamos esas voces angelicales y yo.

De repente, volbí a ir a la casa de ese familiar, y me puso otra vez la música, esa música tan genial, tan increhible.

De repente, le pregunté: ¿qué dice la portada del disco? y ella me leyó con tono serio y atento: Gregorian, Sons of the Beatles.

Ahora ya lo sé!!! el grupo se llama Gregorian!!! investigaré más a fondo sobre ellos.

En pesé a buscar, y me topé con canciones tan increhibles como lo son:

Boyage boyage.

http://www.youtube.com/watch?v=fX-Ju1eLihg

Miracle of love.

http://www.youtube.com/watch?v=2HaViWtd6Eg

All i need.

http://www.youtube.com/watch?v=bhevKtpW1nI

Cloce my heyes forever.

Haz click aqui para ver el video.

Todas las canciones me fueron atrapando, hasta declararme una gregorian fan (o como yo diría) una gregorianita de corazón.

Estube atenta a todos los lanzamientos que hisieron, hasta ahora llevan el volumen 8 del masters of chant, extraordinario en verdad, la canción Streets of Philadelfia me dejó inprecionada, me encantó a la primera escucha, y ahora que ya escuché el disco conpleto, le doi un 8.5 de 10, ya que no me convensió del todo. Por lo mientras, escuchen estas 2 canciones, me refiero a Streets of philadelfia y Wonderwall.

Gregorian, Masters of chant chapter 8 Wonderwall.

http://www.youtube.com/watch?v=_m15OA2N9CQ

Gregorian, Masters of chant chapter 8 Streets of Philadelfia.

http://www.youtube.com/watch?v=SssWr-yUgSk

Y a ustedes ¿cómo les inpacó Gregorian? ¿cuándo fue la primera vez que lo escucharon?

¡Que vivan mis ángeles gregorianos!

Haz click aqui para ver el video.

Y también, la autora de este post estará tocando con ellos la botería (o batería de botes) muy pronto!!! gracias orquesta basura!!! yyea!!!

Prólogo

En la actualidad vivimos rodeados de insatisfacciones, desesperanzas, ambiciones, obsesiones. Pertenecemos a una sociedad frívola, de héroes culturales fugaces, quienes dictan la vulgaridad como un estilo de vida. Una sociedad aburrida, miedosa, que evade sus angustias a través de banalidades tecnológicas y esparcimiento insubstancial. Una sociedad consumista que cada día exige más consumo que muchas veces no podemos solventar.

Vivimos bajo la constante búsqueda de satisfactores, de necesidades creadas por la mercadotecnia; cuando los obtenemos, de inmediato dejan de satisfacernos y buscamos otros nuevos. Vivimos también presionados por los condicionamientos dictados por la sociedad, la familia, la religión, incluso por nuestra pareja. Esas necesidades y condicionamientos nos abruman, nos merman la felicidad, nos alejan de nosotros mismos, de nuestra esencia.

Debido a la obsesión de ser feliz, ser exitoso o sentirse amado, uno se ensimisma y se olvida del mundo que lo rodea. Esto conlleva a que la gente pierda su identidad social, que pierda el sentido de comunidad, de ayudar al prójimo –salvo cuando hay un beneficio de por medio–. Es irónico que en un mundo tan globalizado, con tantas redes sociales, uno tienda a sentirse tan solo, a sentir que cada vez tiene menos amigos, a sentir que su mundo se hace más pequeño.

Cuando la angustia es suprema, cuando el sentimiento de fracaso parece asfixiarnos, cuando nos sentimos víctimas de las circunstancias, cuando ya no tenemos a quién echarle la culpa por nuestras desventuras –porque en realidad no hay culpables–, recurrimos a lo que sea para salir de nuestra crisis. Es así como llegamos a las terapias individuales o colectivas, o bien, encontramos métodos de autoayuda. Esos factores de insatisfacción nos hacen buscar soluciones externas y olvidarnos que la solución siempre está al alcance de nuestra mano: en nosotros mismos.

Un buen número de libros de autoayuda nos provoca una sensación de éxtasis transitorio que después deviene en un vacío, y así continúa el círculo vicioso de las insatisfacciones. Vamos a la librería o la tienda de autoservicio y adquirimos el nuevo libro, siempre con el propósito de encontrar la solución a nuestros problemas o al menos el de prolongar el estado de éxtasis o euforia. Existen casos cuando el lector se harta de esto y termina por rechazarlo por completo tras darse cuenta de que no le ha servido de mucho, ni siquiera para lucir los libros en un librero.

Muchas obras de autoayuda o de superación personal contienen ideas de autor o recicladas, con fórmulas o rituales para que, a través de la repetición, lo que se anhela llegue como por arte de magia. Esos libros ofrecen utópicas fórmulas o métodos para lograr la felicidad o el éxito, siendo que en muchas ocasiones el único que logra el éxito (económico) es el autor.

En cambio, Vive tu pasión… Vive con pasión no es una obra de autoayuda ni de superación personal dentro de los cánones convencionales. No te pide que recites frente a un espejo: “Yo soy feliz, yo soy feliz; sí, ¡yo soy feliz!” o “Yo soy el mejor” o “Yo soy el más simpático”, ni que grites a los cuatro vientos que “de hoy en adelante seré un triunfador”. Lo que este libro te ofrece es el reencuentro contigo mismo y tu entorno del mundo y el universo.

Con esta obra, Luis Juárez Crowe no presume haber encontrado el hilo negro ni promete soluciones; tampoco pretende ofrecer conjuros, encantamientos o remedios mágicos. Simplemente cuenta al lector parte de su experiencia personal y explica las herramientas que a él le sirvieron para superar una crisis diagnosticada como terminal.

El lenguaje que utiliza es ameno, nada rebuscado, contado desde la experiencia, sin recurrir a la fórmula de estudios de caso tan convencional y trillada en libros americanos de este género.

Los ejercicios son sencillos, didácticos, que se pueden hacer a cualquier hora del día, desde cualquier lugar. Y se pueden hacer así porque lo único que en realidad se necesita es la sintonía con uno mismo para llegar al descubrimiento o redescubrimiento personal.

Vive tu pasión… Vive con pasión no promete milagros, es realista con las aptitudes de cada individuo. Sin embargo, hace énfasis en que la mente no tiene límites y que las aptitudes que conocemos de nosotros mismos en muchísimas ocasiones no se han desarrollado o explotado al máximo. Incluso nos hace ver que hay otras aptitudes que tal vez desconocemos, pero en algún punto recóndito de nuestra memoria se encuentran archivadas.

Es precisamente eso lo que pretende este libro: ayudarte a abrir esos canales de lo recóndito y descubrir o redescubrir qué es lo que te apasiona y que conviertas esa pasión en una forma de vida. Te da ideas de cómo saber trazar nuevas metas o replantear algunas a través de la pasión (re)descubierta. Te dice claramente que una vez que sepas cuál es tu pasión, tienes que aprender a vivirla a partir del ahora.

Nadie tiene la fórmula para ti, nadie te va a dar la llave. Ésa la tienes tú. Encuéntrala y vive tu pasión.

Homero Adame

San Luis Potosí, México

Haz click aqui para ver el video.

He publicado aquí varios textos referentes al “Cuarteto Liverpool” y dentro de ellos se han adherido y sumado muchos datos, fechas, infromación, testimonios, así como anécdotas y hasta críticas, todo esto muy apreciado y de lo que se aprende mucho.

Al hacer un repaso de esos “posts”, me he encontrado con aportaciones mucho muy importantes para los que somos fanáticos de “los 4 fantásticos”. Magali nos ha compartido sucesos familiares y ha colaborado con fechas, conceptos y datos que no tienen desperdicio; Eddie nos ha aclarado datos demasiado precisos (hasta técnicos) y contado anécdotas que han sido muy valiosas y por demás interesantes (como aquello de Zak Starkey con “The Who”, el Super Bowl del 2008 o los fantasmas en “Free As A Bird”, entre varios otros) y todos tan bien detallados que nos ha hecho sonrojar a los que creemos saber de “el monstruo de cuatro cabezas” (como también los llamó Mick Jagger, cantante de sus rivales, “Los Rolling Stones”).

Olivia, una jovencita, también admiradora de ellos y que, además de buenos datos y cuestiones o dudas, hasta bellos poemas nos ha regalado, adicionales a los “nicks” que se ha adjudicado referente a los “Fab Four”, sus amores platónicos.  

Roberto Solís, Ricardo Otero, Hugo Armenta, Pepe S., Ger, Seoane, George, Luigi, Homero, Versoazul, Aleisha, Blanche, Path, Maluza, Lou lou, Francis, Gerardo “el gordo” López, Chava, Nancy… y mejor le paro para no omitir a todos los demás que han colaborado con comentarios, opiniones y datos, que sería muy difícil recopilarlos todos en un mismo lugar. Bueno, hasta Rodegui, quien es “anti-beatle # 1”, ha sido colaborador inapreciable e interesante en estos espacios.

En fin, mi intención es que, además de comentar u opinar en los diferentes textos que se publiquen, este “Baúl de Recuerdos de The Beatles” se ocupe para COM-PAR-TIR, dar testimonios, datos, fechas, conmemoraciones, noticias, inquietudes, preguntas, dudas, festejos o recuerdos y (¿por qué no?) críticas respecto a Los Beatles. Es decir, que lo espontáneo, anecdótico, información, documentos, fundamentos, etc., quede impreso y todo reunido en este baúl.

No hay nadie, absolutamente nadie, que no le guste al menos una canción de The Beatles, (ni a Rodegui). A mí me gustan todas, o casi todas y, aunque una vez ya me desenmascaró Eddie, al principio de este texto, les dejo el video de una de mis favoritas, más queridas y más consentidas, el “medley”, “popurrí”, “mix” o “mezcla” de Abbey Road, que comienza con “Golden Slumbers” y termina con “The End”, que fue la útima canción del último disco de “The Beatles”.

Para ustedes ¿cuál es su favorita? Dejen el nombre de ella y si pueden, el “link” o enlace en youtube o donde sea.

De modo que adelante, vamos a compartir con lo que sepamos, nos enteremos, qusiéramos saber, nuestras inquietudes, dudas o lo que sea y se nos ocurra de los Fabulosos Beatles en este Baúl de Recuerdos y… ¡que siga la fiesta!

Piano en el que Paul McCartney compuso “Yesterday”

Fotos del museo de Los Beatles en Inglaterra

Los altares de Dolores son una tradición que nada tiene de sincretismo, pues fue traída a la Nueva España por los conquistadores e implantada por el catolicismo y arraigada por el gusto muy mexicano (y latino, en general) de festejar bajo cualquier excusa.

Como bien sabemos, la Cuaresma inicia con el miércoles de Ceniza, y el Viernes de Dolores es el que da inicio a la Semana Santa. Para este día se colocan altares dedicados a la Virgen y su dolor por el presentimiento de que su hijo será crucificado; se colocan en iglesias, atrios, plazas y negocios.

Hay lugares que tienen a la Virgen de los Dolores como su patrona, por lo que en este día se celebra la fiesta patronal, con todo el colorido y algarabía que las caracteriza, además de misas, entradas de cera y quema de pólvora para concluir con un baile popular.

Existen otros lugares que tienen muy arraigada la costumbre de levantar altares de Dolores e incluso hacer concursos. Por ejemplo, en el Centro de las Artes suelen levantar uno que es muy admirado por los numerosos visitantes que vienen a recorrer el CEART en estas fechas. Vale mencionar que éste trasciende lo religioso para entrar en la categoría de artístico.

También en San Luis Potosí existe una singular tradición en la calle Altamirano, (antiguamente conocida como la “calle del Buche”) en el barrio de Tlaxcala, donde todo el Viernes de Dolores es día de fiesta. Casi todas las casas exhiben sus altares, ya sea en el exterior o en el interior (si éste es el caso, las puertas permanecen abiertas para que cualquier transeúnte o curioso entre a disfrutar la decoración del altar lograda con mucho esmero).

Hoy es Viernes de Dolores, día de una tradición cristiana muy arraigada en el corazón de muchos mexicanos, día para salir a caminar y disfrutar de los altares que pueden encontrarse por doquier.

.

.

Quería ser psicólogo… y quería ser actor.

Siempre fui muy travieso y la gente pensaba que el que necesitaba al psicólogo era yo, así que decidí ser actor, porque en la carrera de actuación llevábamos psicología pero en la de psicología no llevábamos actuación.

De cualquier modo seguía devorando cualquier libro sobre el conocimiento de las personas, superación personal, análisis de la personalidad, etc., y más tarde sobre programación neurolingüística (PNL). Muchas de esas técnicas las fui añadiendo a mi propio estilo de actuación y 25 años después, nació MAAC, el Método de Actuación y Auto-Conocimiento, el cual se basa en la premisa de que el actor, para poder conocer a su personaje, debe primero conocerse a sí mismo.

El instrumento artístico del actor no es solamente su cuerpo sino todo su ser: Espíritu, Mente, Emociones y Físico.

El espíritu (nuestro YO real) debe controlar a la mente, ya que los pensamiento originados en nuestra mente producen una emoción, la cual a su vez, produce una reacción física. Esto prueba que somos lo que pensamos, que cualquier pensamiento dominante en nuestra mente terminará por hacerse realidad (sea positivo o negativo).

MAAC es un método que ha unido técnicas de actuación (el método de Strasberg y Stanislavski entre otros) con técnicas de superación personal y auto-conocimiento y PNL.

Algunos de los participantes ingresan a MAAC con la intención de superar sus miedos e inseguridades, falta de confianza en sí mismos o una pronunciada timidez, y en unas cuantas semanas los vemos subirse al escenario personificando sin ningún problema complejos personajes con una gran seguridad.

¿A qué se debe este cambio? Todos somos actores. Basta observar a un niño para darnos cuenta que cuando juega con otros niños (no videojuegos, ¿eh?) simplemente están actuando. Están representando distintos personajes con una gran naturalidad.

El problema viene después, cuando la sociedad comienza a reírse de ellos, a burlarse o a limitar su imaginación. ¿Cuantas veces no escuchamos cuando eramos niños la famosa frase: “Pon los pies en la tierra, deja de soñar”?

Una de las más importantes cosas que hacemos en MAAC es precisamente revivir a ese niño y despertar la imaginación, volver a soñar y romper con los condicionamientos sociales.

La meta es el auto-descubrimiento del Ser total; del espíritu, la mente, las emociones y el cuerpo.

Utilizamos la meditación para conectarnos con nuestro Yo Superior y poder controlar nuestros pensamientos. De esa manera logramos controlar nuestras emociones (indispensable para un actor), y por lo tanto, nuestro cuerpo.

No se necesita tener talento para la actuación ni tener vocación para ello, porque puedes querer ser arquitecto, médico, enfermera o vagabundo. De lo que se trata es que encuentres tu propósito en esta vida, que te encuentres a ti mismo, que descubras tu verdadera pasión y vayas con todo tu ser hacia esa meta, ya que solo así se puede lograr la felicidad.

MAAC no solo prepara actores con un nivel profesional para los escenarios sino que tenemos la meta de preparar “actores” que representen el personaje que deseen representar en el escenario de la vida, y de esa manera logren la misión más importante encomendada a todo ser humano desde el momento de nacer, su único verdadero propósito: LA FELICIDAD.

YES, la leyenda viviente del rock

por tierras mexicanas

(Sus primeras presentaciones en 1998)

Por Homero Adame

Esta semana será por muchos recordada no por los cielos cubiertos de humo, ni por los planes de contingencia ambiental, ni por los calores sin lluvias anunciadas, sino por haber presenciado finalmente a uno de los grupos más emblemáticos de la historia de la música rock: Yes. El legendario quinteto británico ofreció tres magníficos conciertos -dos en la ciudad de México y el último en Monterrey-, para cerrar así la gira promocional en Latinoamérica de su nuevo álbum “Open Your Eyes” (1997).

Decir quinteto es lo más correcto, pese a que en esta gira ha actuado como sexteto, teniendo a un guitarrista adicional, que en verdad no hace falta. Por treinta años Yes ha estado formado por cinco integrantes, de los cuales dos son fundadores originales: el vocalista Jon Anderson y el bajista Chris Squire. A lo largo de estas tres décadas, el grupo ha sufrido infinidad de cambios entre sus elementos, siendo Chris el único que ha participado en todos y cada uno de los 23 álbumes oficiales que componen su muy completa discografía (los créditos para Jon aparecen en 22).

El repertorio musical que la banda tocó en sus tres conciertos por tierras mexicanas fue casi el mismo, aunque con ligeras variantes. Todo en una combinación de 16 éxitos de los años 70, tres de los 80, uno de los 90, el cual da nombre a su más reciente producción, y además una breve improvisación del novel tecladista Igor Khoroshev quien, aparte de ello, a lo largo de las noches demostró sus dotes musicales, haciendo olvidar por momentos al controvertido Rick Wakeman, el más aclamado tecladista que Yes ha tenido.

Haciéndonos recordar al mejor álbum en vivo (Yessongs, 1973), Yes abrió con una pregrabación del finale de “Firebird Suite” de Igor Stravinsky, para realmente empezar con “Siberian Khatru” (1972), en la cual Steve Howe (el verdadero guitarrista) utilizó tres tipos diferentes de guitarras: una acústica española, una Gibson eléctrica y el Sho Bud Pedal Steel, que es una especie de sintetizador para cuerdas, cuyos sonidos largos y extendidos son de lo más representativo no sólo de Yes, sino de todo el llamado Rock Progresivo de los años 70.

Brincándose de década, la siguiente rola fue “Rhythm of Love” (1987); una pieza fuerte que levantó el ánimo de todos los asistentes. Después continuó “America“, un refrito de Paul Simon de 1968, con los excelentes arreglos de Yes, originalmente grabada por ellos en 1972. Esta canción seguramente se ha tocado en toda la gira del continente americano por razones obvias. Sin embargo, cabe destacar que Jon Anderson modificó un poco la letra original, para mencionar algo de México en ella.

El cuarto tema fue “Open Your Eyes” (1997), que es el nombre del tour y del álbum más reciente. Una pieza suave y melódica, donde destacan la virtuosidad coral de todos los integrantes, con excepción del baterista Alan White, quien raras veces canta o hace coro.

Entrando en los grandes éxitos de los 70 que dieron renombre a este grupo, Jon explicó a la audiencia el cómo y el por qué se escribió la sinfónica canción “And You and I” (1972), la cual realmente sigue siendo muy actual por sus armonías y sonidos producidos por el portentoso y ya mencionado Sho Bud Pedal Steel de Steve Howe. Al término de esta pieza inolvidable, iniciaron los requinteos de “Heart of the Sunrise” (1972), una de las canciones más rockeras del Yes de todos los tiempos. Aquí Chris Squire, utilizando uña para requintear el bajo, tomó el escenario para darnos un aviso de lo que vendría minutos más tarde. Todos los nostálgicos estuvieron de pie, cantando junto con Jon.

Para que cinco de los integrantes se dieran un respiro, más no así a la audiencia, el próximo número estuvo a cargo de Steve Howe, con sus magistrales solos, durante los cuales utilizó  tres diferentes guitarras acústicas. Él marcó la pauta para las ligeras variaciones en los tres conciertos. El lunes 25 interpretó “Mood for a Day” (1973), “Diary of a Man Who Disappeared” (The Steve Howe Album, 1979) y “The Clap” (1971). El martes 26 cambió la segunda rola por “Meadow Rag” (The Steve Howe Album, 1979), y el jueves 28 en Monterrey repitió el trío del lunes. Con este solo, Steve demostró tres cosas fundamentales: 1) Yes no es una banda necesariamente electrónica, 2) su virtuosismo personal como guitarrista y 3) que en verdad se divierte tocando.

Con el descanso tomado por los demás integrantes, al regreso interpretaron “Wonderous Stories” (1977), que presentó la primer mandolina de la noche a cargo de Steve (utilizó 20 diferentes tipos de guitarras en cada concierto), y la armoniosa voz de Jon Anderson. Ésta es una melodía bastante suave que sirvió como preámbulo a la parte fuerte del show porque, minutos después, el nuevo tecladista Igor Khoroshev hizo su breve improvisación en solo, que fue donde nos ganó la nostalgia y extrañamos a Rick Wakeman. Después, Jon abrió “Long Distance Runaround” (1972) para dejar al maestro del bajo Chris Squire que hiciera de las suyas con “The Fish” (1972), casi como en el ya mencionado Yessongs. Chris no tocó el bajo, más bien jugó con él, en un portentoso derroche de energía y vitalidad. Hizo lo que quiso, demostrando a un público cuasi incrédulo que este instrumento de cuatro cuerdas también puede servir como requinto.

Si alguien puede hacerle segunda a un bajista de este nivel, es solamente una batería como la de Alan White. Chris continuaba con su show, cuando cambió el ritmo para interpretar una breve entrada de la canción “Tempus Fugit” (1980) y dejar a Alan que demostrara su destreza en las percusiones. Por varios minutos tocó con una fuerza brutal partes del solo de “Ritual” (1974), teniendo a un Chris hincado frente a él todo ese tiempo. Acto seguido, Chris retomó el bajo para ofrecer un extracto de “Sound Chaser” (1974) y concluir con la parte final de  “The Fish“. La ovación no se hizo esperar, y fue tan estruendosa como aquélla que se le dio al solo de Steve. Si dije que Steve se divirtió con su solo, Chris lo hizo por igual y además involucró al público en él. (Nota: en México no utilizó el bajo “triple neck” que aparece en esta foto.)

El más grande éxito comercial de este grupo fue sin lugar a dudas “Owner of a Lonely Heart” (1983), que fue la siguiente pieza que tocaron. El público más joven de la concurrencia se levantó como resorte para seguir a coro las letras de Jon. En esta canción, el segundo e innecesario guitarrista -pero buen productor- Billy Sherwood, entonó los fuertes requintos que en los años 80 estuvieron a cargo de Trevor Rabin. Steve Howe, por su parte, lució un mexicanísimo sombrero que hizo reír a todo mundo.

Después, interpretaron a cuatro cuerdas y cinco voces “I’ve Seen All Good People” (1971); una rola que raras veces falta en los conciertos. Con eso terminaron la presentación. Sin embargo, el público pidió más, y vino el primer encore, con la clásica e infaltable “Roundabout” (1972), el éxito primigenio de Yes. Por último, como encore bis se despidieron con “Starship Trooper” (1971), la notable rola con la que normalmente cierran los conciertos, donde también se extrañó a Wakeman para la parte de “Disilussion”, porque Igor no pudo con ella.

En la audición del martes se marcó la única variante. Yes no tocó “Starship Trooper”, pero sí “The Revealing Science of God” (1974), una pieza de veinte minutos que mantuvo a todos los presentes pegados a sus asientos, como tratando de ir digiriendo el virtuosismo musical desplegado y las intrincadas melodías, ritmos y armonías de esta complejísima canción. Para los verdaderos Yesófilos ésta fue como una inesperada dádiva, que valió la pena a los que repitieron los dos conciertos capitalinos. Aquí Igor se sacó la espina, porque dio todo lo mejor de sí y eclipsó por mucho las veces que Wakeman participó en dicha rola.

¿Por qué la noche del lunes no tocaron “The Revealing…” o alguna otra épica canción como “Close to the Edge”, o “The Gates of Delirium” o “Awaken”? Quizás la respuesta sea que Yes no sabía cuál iba a ser la acogida del para ellos desconocido público mexicano. Pero una vez que se percataron de que muchos conocen muy bien su música, ofrecieron una de las mejores canciones jamás producidas no sólo por ellos, sino en toda la historia de la música rock. Por decirlo en otras palabras, el lunes el grupo ofreció un concierto a cargo de cinco fabulosos rockeros (seis, incluyendo a Sherwood), sin embargo el martes, con esa prodigiosa dádiva, fue el verdadero Yes que se presentó ante un auditorio completamente lleno. El jueves se repitió exactamente lo hecho el lunes. Lástima, sé bien que muicho del público de Monterrey también hubiera disfrutado de esta excelente canción.

Algo que también llamó la atención fue que Jon no cantó un solo. Tradicionalmente él interpreta “Soon” (1974), pero esta vez se le vio algo retraído y casi ausente. Quizás esto se deba a un proceso muy personal dentro de su vida espiritual, y prefiere mantenerse un tanto alejado de los reflectores. No obstante, en todas las rolas que escuchamos su voz, fueron momentos de gran deleitación. El único “solo” que hizo en las tres presentaciones fue en Monterrey, cuando estaban todos afinando sus guitarras para la canción “I’ve Seen All Good People”. Jon improvisó un poco, cantando algo sobre Monterrey; algo que en verdad el público agradeció sobremanera.

Vale mencionar que estos tres conciertos de Yes en México carecieron de vistosidad, de puesta en escena y de variante en el vestuario (utilizaron las mismas ropas en los tres conciertos, con excepción de Chris, que en Monterrey se cambió por una camisa blanca). El grupo ha alcanzado tal nivel de maestría en su música que ya no necesita de grandes escenarios, ni colorido, ni fuego, ni enormes pantallas de video, como lo siguen haciendo otros grupos igual de añejos que ellos y otros no tanto. Su mejor oferta son los sonidos que producen sus manos, sus instrumentos y sus voces. Ir a un concierto es ir a escuchar, no a ver, tampoco a sentir. Los años cuando Yes buscaba asombrar a su público han pasado. Su propuesta musical ha quedado bien grabada en todos sus fans y en los anales de la historia. Asimismo, los años de querer figurar en las listas de popularidad han quedado atrás. Hoy los cuatro integrantes principales de la banda se divierten ofreciendo su talento musical, ya dejaron de tomarse en serio, y eso les da la fluidez y madurez que sólo se logra con el tiempo.

Posiblemente nunca los volvamos a tener en nuestro país. Pero la gran mayoría que los vio en alguno de estos tres conciertos, los recordarán por muchos años o para siempre. Y como dice la letra de “The Revealing Science of God…”

We must have waited all our lives for this moment moment moment…

(“Nosotros debimos haber esperado toda nuestra vida por este momento, momento, momento”), finalmente se cumplió para los mexicanos después de 24 años de haber sido escrita.

.

Notas: 1. los enlaces son un popurrí que encontré y seleccioné de Youtube. Hay canciones de diferentes conciertos y épocas, pero lo más cercano son los conciertos de Budapest, en el mismo tour de 1998. En el popurrí podemos ver a casi todos los integrantes que han pasado por las filas de Yes, como el baterista Bill Bruford, los tecladistas Tony Kaye y Patrick Moraz, el olvidable guitarrista Trevor Rabin y, por supuesto, Rick Wakeman, así como los nuevos, David Bentoit y Oliver Wakeman (hijo de Rick). Los únicos que no aparecen en estos conciertos son el guitarrista original, Peter Banks, y los dos Buggles, cuyos nombres he preferido olvidar.

2. Las imágenes fueron tomadas de diversos sitios a través de Google Images. Que los enlaces sirvan de crédito a sus creadores:

• a) Yes logo
• b) Yes concert
• c) Chris Squire
• d) Cover from Tales From Topographic Oceans
  

Y para finalizar, repito aquí el link de “The Fish” (versión de Yessongs, 1973) que seguramente Betito, como bajista que es, apreciará como nadie más…

(Libro artesanal de historia oral potosina)

Sobre la vida y obra de Edward James, singular y excéntrico artista inglés que vivió muchos años en Xilitla, S.L.P., se han publicado varios ensayos y biografías, pero suelen ser obras que se centran en el arte o que abordan la temática “desde afuera”, es decir, al llevarse sus impresiones, el autor decide plasmarlas en papel. Edward James, Xilitla y el surrealismo, en cambio, desde su origen tuvo un propósito diferente, sin que fuera desde la pluma panegírica o detractora de un autor más: la intención fue dar voz a la gente, a los xilitlenses, a quienes, en pocas ocasiones, se les toma en cuenta en la labor literaria o fotográfica relacionada con este tema. En otras palabras, mi objetivo fue tratar de conocer a Edward James desde  la perspectiva del pueblo. Así, el pequeño libro o plaquette, se convirtió en un espacio en el que las voces de los lugareños expresaron sus recuerdos -si acaso llegaron a conocerlo- acerca del hombre, del artista, del vecino, o expusieron sus opiniones en torno a lo que la imagen de Edward James representa para Xilitla en la actualidad.

La idea de hacer Edward James, Xilitla y el surrealismo, surgió en 2007, durante la primera reunión del comité encargado de los festejos de 100 años del nacimiento del surrealista inglés. Los integrantes de dicho comité eran Fernando Betancourt Robles, Eduardo Vázquez Martín, Fernando Carrillo Jiménez y Déborah Chenillo Alazraki, todos ellos de la Secretaría de Cultura de San Luis Potosí. Como estaban apenas en la primera lluvia de ideas, yo les propuse hacer un libro diferente, expuse mi concepto y a todos les encantó. Fui a Xilitla un par de veces, platiqué con muchísima gente y les hice tres preguntas básicas:

1. ¿Quién fue / Cómo era / Conoció a Edward James?
2. ¿Qué dejó Edward James para Xilitla?
3. ¿Qué sabe usted del surrealismo?

Como resultado de este ejercicio, las respuestas o comentarios en ocasiones parecen ser contradictorias; lo cual nos ofrece una amplia gama de interpretaciones, según la visión de cada persona y, al final de cuentas, nos hace salir del realismo para, en todo caso, entrar al campo del surrealismo de la memoria colectiva.

Cuando ya tuve suficiente historia oral recopilada, siguió un proceso divertidísimo porque la intención era producir un librito diferente, poco convencional, artesanal. Así comenzaron otras lluvias de ideas entre Déborah Chenillo, entonces Directora de Publicaciones de la SECULT, Beatriz Gaytán Reyes, diseñadora de esa dirección y yo. De igual modo, mientras Mary de Lara revisaba los borradores, tanto correctora como compilador entramos en buenas discusiones, pues corregir extractos de oralidad es una tarea muy complicada. Entretanto, las encargadas del diseño, dirigidas por Bety, fueron Susana Cerda y Erika Cardona. Conforme avanzaban en su trabajo, jugando con fuentes y dibujos, nos divertíamos más y sabíamos que, en efecto, el resultado del librito sería muy ad hoc para las circunstancias, es decir, medio surrealista.

En noviembre de ese año se llevó a cabo el Primer Encuentro de Surrealismo y por tres días Xilitla se convirtió en la capital mundial del surrealismo. El librito fue todo un éxito entre los artistas y ponentes invitados que vinieron de otros países y varias partes de México. La edición de mil ejemplares se agotó y muchos xilitlenses recibieron su copia.

A continuación tenemos algunas páginas escaneadas como imagen de Edward James, Xilitla y el surrealismo.

Y para concluir, una joyita que mereció una página individual en el libro. Cuando Déborah leyó la pregunta y la respuesta (ésta respondida como pregunta) se atornilló de risa y la celebró como si fuera la quintaesencia del surrealismo…

.

Pueden ver otras páginas de este librito en estos dos blogs:

• Edward James en Leyendas de México

y

• Edward James en Adameleyendas

Un gran creativo, amante de la pintura… y de las mujeres.

¡¡¡¡Felicidades maestro Picasso!!!!